Arquivo da categoría: Música gravada

Kumbia Queers: Apropicionismo de género e identidad musical y sexual

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Lesbianas tocando cumbia con todos los estereotipos del género musical y del género masculino consabidos. Mujeres musicando lascivia y diversión a ritmo de cumbia villera y sonidera con lametazos al rock y al hip-hop latino. Todo esto son las Kumbia Queers, aunque ellas a esto le llaman punk tropical y se quedan tan anchas.

El combo está compuesto en su núcleo principal por Patricia Pietrafesa, Pilar Arrese e Inés Laurencena (integrantes de las punk-rockers argentinas She Devils), Juana Chang (Afrodyke, Golden Jackets y The Wookies) y la mexicana Ali Gua Gua (Ultrasónicas, Afrodyke). Comenzaron en el 2007 haciendo versiones, o mejor dicho adaptaciones cumbiacheras, de bandas tan variadas como The Cure (oscurecen el ritmo tropical para crear la versión cumbia de “Lovesong” bajo el título “Kumbia Dark”), Madonna (convierten “La isla bonita” en “La Isla con chicas”), Ramones o Black Sabbath.

Despues de discos como Kumbia Nena! y La Gran Estafa Del Tropipunk conjugaron su sonido con temas propios de sabor cumbia-mex en “Kumbia Zombie” o “Tropikalipsis”, y demostraron capacidad y clase suficiente para registrar un electrocumbiatón instantáneo y pegajoso como “Celosa”.

Estas diletantes de la música, de larga trayectoria con sus proyectos paralelos, reposan la furia para ponerse bailongas y muy, pero que muy ácidas. La cumbia villera es un ritmo popular risible, letrísticamente hablando, cuando no sexista o misógino. Pibes Chorros o Damas Gratis como grandes estandartes del estilo son carne de parodia, por ello la aparición en escena de las Kumbia Queers se convierte en una irrupción de elefante en una cristalería: ni un sólo ripio está desprovisto de sorna. Las chicas, eso sí, se manejan perfectamente en un, aparentemente, medio hostil: Pablo Lescano, capo de Damas Gratis, produce “La gran estafa del tropipunk” su nuevo álbum.

Jugar a la contra, eso es lo que hacen las Kumbia Queers (existen unos Kumbia Kings), y la jugada sorprende por refrescante y revitalizante. Apropiándose de un discurso misógino que habla de sexo y deseo se cuelan en el taller mecánico, local de machos donde los haya, para desear a la chica de calendario. Su actitud y activismo anarcofeminista recuerdan al movimiento extra-musical conocido como Riot Grrrl (cuyo origen se sitúa en EE.UU. a principio de los años 90) con bandas como L7, Bikini Kill o 7 Year Bitch que usaron el punk y el rock, de dominio falocéntrico, para lanzar proclamas pornopunk y subvertir valores feministas, provocando a partes iguales al patriarcado y al feminismo más “clásico” o académico, al hacer de “la mala, la fea y la furcia figuras femeninas capaces de encarnar una transformación performativa y política” ( Beatriz Preciado).

La autodesignación de la identidad por encima de clasificaciones de género o culturales es una premisa de la Teoría Queer, y las Kumbia Queers son una provechosa constatación de apropicionismo de género sexual y musical.

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Metralletas Lecheras, demo

Tres temas disparados por tres metralletas cargadas de leche condensada por tres tipos metidos en el garaje proto-punk. Rafa Anido, junto a Don Camilo y Rubén Rodrigo, en otro proyecto (y ya van…) con mala leche y espíritu juvenil. Disparos a Ana de Palacio y a las peregrinas de la política en general. Para bailar sin saber por qué.

http://www.myspace.com/metralletaslecheras

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MERCEDES PEÓN, Sihá

“A algunhas tocounos ser feministas para que outros non o sexan” (M.Peón)

Unha rapaza de 13 anos descobre os sons que proveñen da sua terra, ao escoitar cantar a unhas mulleres na costa da morte, e resultanlle tan exóticos coma os de Arxelia ou Marrocos. Obsesionase por coñecer máis e, grabadora en man, percorre os pobos e as aldeas.
Mercedes Peón (A Coruña 1967) representa a inquedanza por coñecer as orixes das músicas que perviven(sobreviven) no eido rural, rescatalas da fagotización das urbes.
Este coñecemento adquirido levaá a cantar con diversas bandas e a colaborar no primeiro disco de Xose Manuel Budiño, cos Diplomáticos de Montealto e mesmo Mano Negra.
Vinte anos despois publica o seu primeiro traballo Isué (Resistencia,2000), sorprendente compendio de folclore galego actualizado. Polo camiño convertese en colaboradora do programa da TVG (Televisión de Galicia) “Luar” no que apresenta a sua recolleita. Este para moitos foi o primeiro contacto con esta muller amosadora da natureza tribal do floclore galaico.

Ajrú(DiscMedi, 2003), o sua segunda grabación é un disco que rompe esquemas preconcebidos sobre o acomodaticio folk galaico de consumo interior; que devolvelle sentido a experimentación partindo da raiz mesma do son; que inxecta nova savia no vello tronco.

Con estes antecedentes, a escoita do último traballo xa non sorprende, impacta i emociona.
Sihá (DiscMedi, 2007), e outro diccionario de verbas estrañamente familiares no idioma de Mercedes Peón.
Mediante un meticuloso proceso de sampleo e secuenciación Mercedes consegue facer unha exibición do que debe ser a música como arte para ser escoitado,
Unhas pandeiretas que chisporretean electricidade, unhas gaitas provintes do espacio esterior, unhas percusións feitas con sachos, e uns baixos que retumban coma as ondas nos ollos de mar da costa da morte, a voz do matriarcado soando en loop hipnótico.
Todo elo perfectamente integrado e reinterpretado polos músicos que a acompañan no directo
Escoitar a sua interpretación de “Aiché” co seu drumkit , desde o que vai soltando os samples; vela en pe coa pandeireta frente a sua audiencia, forte, inmensa, é unha das máis impresionantes sensacios que unha artista pode ofrecer neste pais.
Chegou Mercedes Peón e nada sera coma antes na terra dos comedores de patacas; o patriarcado que gosta das gaiteiras xeitosiñas pode sentirse incomodo ante unha muller que berra con forza que non e mercadoria.

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Charlotte Gainsbourg 5:55, Los Amores Adultos

Serge Gainsbourg provocaba el escándalo (toda su obra es provocación) al compartir con su hija de trece años el dueto Lemon Incest-“l’amour que nous ne ferons jamais ensemble” (el amor que nunca haremos juntos), cantaban-. La voz de Charlotte Gainsbourg (nacida en Londres en 1971), un titubeante falsete adolescente, hacía de contrapunto a la inmortal voz sabor a Gitanes de su padre.
La pequeña naïve Charlotte se iniciaba en la canción arropada por su progenitor y fue su madre, la cantante,actriz y musa Jane Birkin, la que le incita a participar en su primer papel fílmico. Lo que le lleva a recibir un César, con tan solo quince años, por L’Effrontée en 1985 a la actriz revelación, y otro a la mejor secundaria por La bûche (2000) . Y tras una treintena de películas,con títulos como Jane Eyre de Zefirelli; 21 Gramos de Alejandro Gonzalez Iñarritu; o la Ciencia del Sueño de Michel Gondry, se consolida como una de las más importantes actrices de su generación.

La anglo-francesa es tentada a realizar su primer album como adulta por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin. Los músicos franceses,conocidos como Air, tejen para ella un cómodo colchón sobre el que se recuesta y canta. Participan escribiendo las letras los ingleses Jarvis Cocker y Neil Hannon (The Divine Comedy), cuenta con los compositores y arreglistas Joby Talbot y David Campbell, la percusión del nigeriano Tony Allen, además de tener en la producción a Nigel Godrich (artífice de obras de Radiohead, Paul McCartney o Beck).
Estos mercenarios de lujo conspiran juntos para que 5:55 (WEA INTERNATIONAL 2006) sea algo más que un capricho de la celebérrima hija.

Convence la interpretación de estos temas escritos para ella, cercana a su madre y próxima a François Hardy o a la española Jeanette, el susurro y la sensual delicadeza de su voz, que canta en inglés principalmente con aportaciones del francés, nos acompañan durante un disco hecho a su medida.
Abre con el tema-título “5:55”; canción de duermevela y espera a la madrugada, donde nada cambia. Nos habla de una operación quirúrgica donde el corazón donante acaba siendo rechazado por su receptor, canción de amor adolescente al igual que “Everything I Cannot See”.En la evidentemente gainsburiana “The Songs That We Sing” los arreglos de cuerda recuerdan a los preciosistas ataques de arrebato en la música del bon vivant.
Viaja en asiento de ventanilla en el trágico vuelo “AF607105” ; Air estan tan presentes que se pueden palpar sus bajos y guitarras acústicas límpias, y los peueños timbres a los que nos tiene acostumbrados el duo frances desde su Moonsafari. Las percusiones etereas y toda la imagineria ensoñadora del duo galo aparecen también en la canción de contenido político- infante “Little Monsters” , quizas cantada pensando en sus hijos (tiene dos con el cineasta/actor Yvan Attal):
“pequeños monstruos que dominais el mundo/no sabeis lo que decis/deteneos antes de que alguien salga herido/no os dais cuenta de que simplemente estamos actuando”
“Nocturnal Intermission” es el hastio de la mil veces entrevistada estrella cinematográfica, que sublima en “Jamais” “no one’s essential to the plot/every extra, every superstar/must now vacate the lot/in the performance of a lifetime/i make the final cut”-nadie es esencial para la trama/cada extra, cada superestrella/deben desaparecer ahora/en la interpretación de toda una vida/yo hago el montaje final.

Un disco recomendable para tardes de lluvia sobre el cristal y apacible melancolía, y para madres y padres orgullosos de sus hijas.

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Christina Rosenvinge, Continental 62. LA HERMANA LOCA DE GREGORIO SAMPSA

“Si ser artista de culto significa que le gustas mucho a unos pocos, eso es lo que quiero ser”

Hagamos un viaje intercontinental, partamos de Nueva York hacia Madrid, acomodémonos en nuestros asientos, dejemos atrás los controles de aduanas, las prisas y la gravedad que nos aprisiona.
Sintámonos seguros en el avión. El hilo musical susurra inquietante; quebradizo; hermoso entre las nubes cargadas de estática;el aire acondicionado sopla frio. Escuchemos.

Los prejuicios contra una artista derivados de su pasado “mainstream” (llámenlo comercial o simplemente popular) se suelen cebar en mujeres como Christina Rosenvinge(1964,Madrid).
De un pasado adolescente en contacto con la movida madrileña, sus inicios en Ella y los Neumáticos, a la exitosa carrera del duo Álex y Christina: melosas canciones pop, e imagen sexy-naïf, que les llevaron a representar a España en el festival de la OTI en 1988. Despues de la disolución del duo, a finales de la década de los 90, cambia a un sonido,y a un look, más rockero acompañada de Los Subterraneos. Tras dos discos desaparece de si misma y vuela a NY. Es en la gran manzana donde entra en contacto con Steve Shelley y Lee Ranaldo(Sonic Youth) que le apadrinan musicalmente e introducen en el circuito alternativo de salas.

Pasado y pasos necesarios para iniciar una carrera musical en solitario fuera de círculos masificados, y ganar el aprecio de la crítica “indie” y su público afin. Pero, ¿supone esto una aceptación o es la coincidencia del fan adolescente de los 80 y el entendido crítico musical del 2000 en una misma persona?, quien sabe.
El bicho se transforma en mariposa y tras cuatro discos en solitario, uno de ellos-Flores Raras– registrado en directo, edita Continental 62(Søster/Dro Atlantic 2006).
Disco breve que deja un sabor extraño, debido a una sobria producción(obra de Suso Saiz y ella misma) y a su voz, siempre a punto de deshielo, resonando en una habitación sin muebles.

Se rodea de los estupendos músicos Charlie Bautista, Steve Shelley y Jeremy Wilms, colaborando Lee Ranaldo, Fon Roman(ex-Piratas) y Tim Foljahn de Two Dollar Guitar que canta en “White Hole”.
Abre el disco “Continental 62”,el nombre del vuelo entre Newark y Barajas que le mantenía en contacto con ambos paises. Se muestra accesible en el single “A Liar to Love”; forzada en White Hole; acompañada a la voz y a la guitarra por Lee Ranaldo en la poetiana “Window”; y apocalíptica en “Helicopter Song”.
La española, de padres daneses, muestra una ternura que inquieta por su desolación en canciones como “¿Quién me querrá?” -Quien me querrá/con lo cara que está la vida/quien se querrá arriesgar./en cada despedida nace la eternidad- , “Teclas Negras”- Los dias se hacen largos/el desaliento viene y va como una moda- o Tok Tok- al final tu tenías razón /se puede renacer solo tras la humillación ,con referencias al cine de Godard y una declaración de hermandad con el protagonista de La Metamorfosis de Kafka.Estas tres canciones, las únicas en castellano, son precisamente las que mejor llegan por su construccion letrística y total desnudez.
Un disco quizas no tan interesante,musicalmente hablando, como su anterior Foreing Land pero igualmente recomendable para acercarse a la mujer de la gabardina que dedica su disco a K.

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