ONE OF THESE DAYS & Thee Heavy Random Tone Colour Lab

ONE OF THESE DAYS & Thee Heavy Random Tone Colour Lab es el artefacto sonoro de unos veteranos músicos coruñeses. Está formada por el vocalista y guitarrista Diego Veiga, quien estuvo al frente de bandas como SteelWood o los madrileños Lüger, militó como bajista de Jet Lag y actualmente compagina este proyecto con las teclas en WolRuS; el bajista Joaquim Conejos “Joki”, también implicado actualmente en WolRuS tras su paso por los propios SteelWood, The Virginals y Woocake; el teclista Fernando Vilaboy de la mítica banda mod Elephant Band y Mega Purple Sex Toy Kit; y el batería José M. Martínez “Bonham”, renombrado productor y percusionista de Deluxe, The Majestics o Miguel Costas. “A Peaceful Nacht In Hell” (in four movements) es el título de un disco de psicodélico rock añejo que parece un perturbador anacronismo en nuestra era.

Diego Veiga y Bonham conversan ante la grabadora, unos días antes de su concierto en la Sala Mardi Gras donde tocarán en la segunda edición de Los Conciertos de Retroalimentación promovidos por el periodista Javier Becerra, para hablar de rock progresivo, space rock, kraut y títulos largos para canciones enormes.

 La edición de este disco se realiza gracias al crowdfunding, o microfinanciación colectiva, ¿habría sido imposible si no fuera así?

Jose Bonham: Tal y como están las cosas hoy en día…

Diego Veiga: Teniendo en cuenta el género musical que desarrollamos sí. En la actualidad muchas bandas tiran hacia el krautrock. Yo tuve mucha suerte cuando monté Lüger, porque a nuestro primer concierto vino Edu “Giradiscos” y dijo “grabamos cuando querais” y así fue. Había en Madrid en aquel momento gente como La Débil, Edredón y nosotros. Todo el mundo empezó a hablar de krautrock, fue una tendencia que entró en lo cool, salieron los Horrors de la nada y todo el mundo hacía kraut.

Ahora están surgiendo muchas bandas deudoras de ese sonido que hipnotizaba a finales de los 60 y principios de los 70. Muchas bandas actuales lo reivindican, vosotros seguís una línea más purista si se puede decir así… podríais pertenecer a esa época quiero decir.

JB: A mí me gusta Rush…

DV: Genesis,Yes…ya sé que es como mentar la bicha pero depende de la época…

JB: Somos bastante carrozas.

DV: Sí, pero después no creo que sonemos como unos carrozas. Lo que pasa es que hay cierto estigma en nombrar ciertos nombres de bandas, que no quedan cool. A parte de que el progresivo inglés tuvo el estigma del punk cosa que no tuvo el kraut…

Al mismo tiempo el post-punk sí que reivindicó el kraut.

DV: Pasaron de hippies a yuppies y están marcados por ello. Se habla de “dinosaurios”: Led Zeppelin, Deep Purple… pero son unas bandas increíbles. De cara a ciertos medios está mal visto reconocerlo. Es un elitismo absurdo. A nosotros básicamente nos gusta la música.

También hay que tener en cuenta que la mayoría de esas bandas cayeron en su última época en la superproducción, cosa que igual ahora no gusta demasiado.

JB: Se les fue mucho la olla. En el 2013 es muy fácil tener esa perspectiva. En los ochenta en el estudio surgieron muchas novedades a la hora de trastocar la grabación y la producción. Bastante horteras en general. Ahora se vuelve a un sonido más añejo, ya no parece tan antiguo. Hay muy buenos discos en el pasado grabados de una manera que no deja de ser la más real para captar ese sonido.

 Habeis grabado en los Estudios Bonham y en la producción aparece un enigmático Paul Ronnie. Como un elemento más entre tanto delirio cósmico. 

JB: Paul Ronnie es un colega nuestro y queríamos ponerlo como productor. Estuvimos tocando en Madrid y había gente que decía que le sonaba. (risas)

La grabación fue en directo y en tan solo tres días. Parece que ya estaba bastante estructurado el disco en vuestras mentes.

DV: Grabamos todos juntos sin claqueta mirando unos para otros. Metimos alguna overdub, lógicamente. Pero respetando el espíritu del directo.

 ¿ Y a nivel compositivo?

DV: Tenía unas canciones en esqueleto que en anteriores formaciones no cuajaron, aquí en OOTD&THRTCL las presenté como punto de partida. Pero las compusimos entre los cuatro. Lo más convencional es mío.

JB: Las melodías de voz, al ser Diego el cantante, son todas de él.

En los 60 y 70 se cuidaba mucho el arte en las ediciones discográficas pero fue decayendo durante varias décadas, hasta ahora que parece que el músico vuelve a formar parte de todo el proceso creativo en la autoedición. La artista e ilustradora Iria Rodríguez ha colaborado en el diseño de una pieza destinada al coleccionismo.

DV: Iria hace todo el artwork, queríamos algo más que un soporte sonoro. Nos encanta como compradores de vinilos una buena portada. Iria consiguió que si el disco está en la estantería llame la atención. Al mismo tiempo tenemos a Roge Fernández, un artista coruñés, que hace los visuales en todos los directos.

Parece obvio que la primera parte de vuestro nombre viene de un tema de Pink Floyd. ¿Con qué época o disco os quedáis de la banda?

JB: Tampoco es una fijación con Pink Floyd. El nombre se lo pusimos bastante más tarde de comenzar con el grupo.

DV: El nombre es un guiño a Pink Floyd, y hacerlo tan largo es un poco broma ya que estamos haciendo temas de diez minutos y vamos contra corriente de lo que puede ser la actualidad. Quisimos hacerlo como un concepto dividido en cuatro movimientos… fue un punto de encuentro entre todos. En cuanto a la época un poco la del medio, Live at Pompeii (1972) es el que marca. A mí y a Fernando (Vilaboy) nos gusta mucho la época de Syd Barret…

J.B: Yo soy más abierto, hasta llegar a The Wall (1979), pero también la primera época del grupo.

D: Creo que el 70/71 sería el punto en común de los cuatro: Atom Heart Mother (1970) y Meddle (1971).

Sois una banda de músicos veteranos de la escena coruñesa y es difícil no mencionar a la mítica banda Kozmic Muffin. ¿Encontráis similitudes?

JB: A mí me lo parece, en cuanto al sonido, por los instrumentos que tocamos. Veo referencias a los mismos grupos de los que estamos hablando.

DV: Evidentemente por referencias, son las mismas. Sonaban muy añejos también. Grandes canciones sin miedo a que se noten las influencias.

Dentro de la progresiva la tendencia parece ir hacia el krautrock y Alemania, pero vosotros sonáis más como una banda inglesa.

D: Yo creo que sí, las partes que puedes considerar en el disco medio jazzísticas vienen de ese lado. Nos gusta Soft Machine, King Crimson. Uno de los cortes del disco “Nexus” lleva un arpegiador y tira más hacia el spacerock, más de Hawkwind que de alguna banda alemana.

JB: A la hora de componer tampoco nos limitamos si le queda bien a la canción.

En ese sentido se puede encontrar más melodía, más canción, que en una banda actual.

JB: Sí, porque el punto que nos mola es ese, tanto las melodías como la manera de estructurar las canciones. Hay partes muy abiertas para hacer cosas muy raras…

DV: …pero luego se vuelve a una estrofa. Realmente las melodías son pop. Nos interesa la canción, que le demos una vuelta de tuerca es otra cosa. Básicamente, no somos un grupo pajillero. Creemos en las canciones. No queremos perder ese concepto más convencional.

 “La música, decididamente, no es un entretenimiento. Es algo más serio, como un arma de bondad” dice vuestra nota promocional, no queréis simplemente entretener con vuestra música por lo tanto y creo que es demasiado intensa como para tenerla simplemente de fondo… ¿Cuál es la intención última? ¿Cómo os gustaría que se sintiera quien la escucha?

DV: Es un género que exige cierta atención del oyente. Vivimos e un mundo que va muy rápido. Todo es de usar y tirar por eso la música se produce para que te entre y ya, no para que te sientes y le dediques un poco de tiempo.

 En los cincuenta la radio y también la forma de grabación demandaba temas de no más de 3 minutos, después vino la progresiva para acabar con todo eso y a continuación el punk acortando los tiempos en oposición. Ahora está todo totalmente mezclado en ese sentido.

DV: Exacto, son eras que van cambiando. Ahora hay exceso de información.

JB: Te pueden pasar un pendrive con la discografía de veinte grupos y quién se come eso. No le dedicas tiempo.

DV: El cerebro no puede procesar todo eso, son luces de neón en todos lados.

HOLYWATER, EN TIERRA BALDÍA

Tras una década subiéndose a los escenarios la banda gallega regresa con “Wasteland” (Ernie Records, 2012) para mostrarse como una sólida formación que sabe dosificar la distorsión y la emoción épica del rock de los fértiles años 90.

Holywater, foto DAVID TOMBILLA

Aquellas bandas que reafirman disco a disco y concierto a concierto que lo suyo es hacer sudar y emocionar a su público consiguen una adhesión inquebrantable de los fans. Y si la crítica elogia sus directos y otras bandas, como los madrileños Toundra, alaban su último disco, eso significa inequívocamente que el tesón tiene su recompensa. Este puede ser el caso de Holywater, banda originaria de Lugo liderada por Ricardo Rodríguez que responde en su nombre para hablar del nuevo disco.
“Nos gusta en especial que otros grupos nos mencionen, porque son gente que controla de música, y claro, eso sienta especialmente bien. Las listas de prensa, sobre todo las de “lo mejor del año” nos suelen dejar fuera, porque los últimos dos discos salieron a finales de año y no creo que nadie tuviera tiempo a escucharlo demasiado. Muchos discos que salen en noviembre-diciembre se pierden en estas listas. En general nos gusta que la gente este motivada en perder parte de su tiempo en incluirnos en una lista o mencionarnos en un blog, o escribiendo una crítica. Por mi parte, el disco que destacaría de este año pasado, muy por encima de los demás, es el “Sweet Sour” de Band of Skulls”.

Sois una banda que ha tenido muy claro su sonido desde sus orígenes y que ha sabido elegir a los productores con acierto, en el pasado a Pablo Iglesias o Paco Loco. En esta ocasión habéis vuelto a repetir en la producción con Santi García (Nothink, Nueva Vulcano, Betunizer) en los estudios Ultramarinos de la Costa Brava, consiguiendo un sonido entre la dureza de “Path to Follow” (Ernie Records, 2010) y vuestro disco más asequible o pop “Tranquility” (Astro, 2008).
“No pensamos en ningún momento en rebajar la caña, la verdad. Puede ser que estos temas sean un pelín más lentos de tempo que los del “Path to Follow”, pero tampoco lo tengo tan claro. Yo creo que la diferencia entre los dos últimos álbumes y este reside en que la base de las canciones antes era más pop, más inglesa, y ahora parten de una base más rock, más americana. Se mantiene la intensidad del anterior disco en “Wasteland”. El hecho de grabar con Santi fue porque queríamos que como mínimo sonase igual de potente que el anterior”.

Creo que se pueden quitar las etiquetas que sobran ya y definir vuestro sonido como rock en el sentido clásico. La banda suena muy compacta: en la conjunción de las guitarras de Martín Alonso y Ricardo, las líneas de bajo de Mito y la intensa dinámica que Luis Casanova sigue imprimiendo al sonido rocoso de la banda. Encumbrado todo ello por tu voz.
“Yo hago las canciones en casa, trabajo las partes y la mayoría de los nexos para que tengan una forma cuando las llevo al local de ensayo. Lo que pasa es que, a la hora de trabajar los temas, es un trabajo en grupo en el que cada uno aporta lo que cree desde su punto de vista, y cada uno crea y toca lo que siente que le pide la canción. Intento que las canciones que hago para Holywater rockeen un mínimo, pero cuando las hago son canciones acústicas, así que hay mucho trabajo que hacer por parte de todos para convertir eso en rock and roll”.

Tras la experiencia con la discográfica Astro valoráis más la cercanía con un sello como Ernie pero parece que los condicionantes de vivir tras el “telón de grelos” siguen siendo muchos.
“Una cosa es estar en un sello de Madrid con el cual las conversaciones son frías, lejanas y mínimas, y otra cosa muy diferente es trabajar con un sello al que casi consideras de tu propia familia. Desde Lugo, y sobre todo cuando empezamos a girar allá por 1999, todo estaba a desmano y sin movimiento de grupos, mucho menos managers y discográficas. Si quieres “triunfar” en esto tienes que dejarte ver por las grandes capitales, o vivir allí. Tienes que estar en el meollo, comer mucha oreja y hacer más de relaciones públicas de tu grupo que de músico. Es lo que más odio del mundillo musical”.

Sois un ejemplo de banda estatal que cantando en una lengua que no es la propia, el inglés, resulta creíble. Me pregunto si el resultado sería distinto si lo hicierais en castellano, ¿se plasmarían otras realidades?
“He hecho un giro literario bastante importante en este álbum respecto al anterior. En “The Path to Follow” hablaba de los tiempos que nos toca vivir y de buscar una solución al asunto, creando ideas propias y cuestionándose el modo de vida. Con “Wasteland” creo que ya he encontrado un sitio (que no mi sitio, para eso supongo que aún hay que pelear un poquito más), y desde ese punto hablo de los aspectos más simples de mi vida. De mis preocupaciones cotidianas, o incluso mis momentos más felices y gratificantes (algo nuevo en Holywater). Eso sí, siempre con la ayuda de la metafórica inglesa. Creo que el inglés (como idioma) permite jugar más con él sin el riego de parecer previsible, pedante o idiota. En castellano hay que ser muy buen poeta para que las letras no te rechinen en los oídos, y para que las construcciones no suenen horteras. Hay que tener un talento especial. Yo me considero músico. No poeta”.

Tenéis un fan muy especial: Luis Tosar, actor y cantante de Di Elas. Se ha subido con vosotros al
escenario para reinterpretar a los mismos ídolos musicales (Pearl Jam, Neil Young) a pesar de no pertenecer a la misma generación. El grunge no parece estar muerto con Meat Puppets girando por España recientemente, (y Dover volviendo a tocar “Devil Came to Me”)
“Con los años 90 da igual de que generación seas, fue una época de esplendor del rock. A nivel creativo fue increíble y salieron grupos interesantes de debajo de las piedras. Todo era nuevo y excitante, y sobre todo viniendo de la década anterior en la que casi toda la música era fría y computadorizada. Fue un momento comparable a los 70, de experimentación, en el que se encontraron muchos caminos para nuevos sonidos y estilos. Y en el que las bandas que triunfaban estaban formadas por buenos músicos que tocaban que te cagas, y la gente recibía eso con unas orejas muy diferentes a las que tiene el publico general actual. En los 90, como en los 60-70 la buena música era la que arrasaba en las listas. Y creo que algún día los buenos grupos de rock pueden volver a pertenecer al mainstream, aunque tienen que cambiar mucho las cosas”.

Se os puede ya catalogar como una banda veterana. Algunas bandas que han sido compañeras de viaje en estos años de carretera se han separado, como fue el caso de Nothink el año pasado.
“Sí, las bandas van cayendo y nosotros seguimos ahí. También es verdad que las bandas caen, pero sus integrantes siguen activos y sacando cosas. Es el caso del nuevo fichaje de Ernie, Pasajero, un nuevo nombre para un nuevo proyecto de gente que lleva tanto tiempo como nosotros dando guerra. No se muy bien por qué ciertos grupos acaban deshaciéndose, pero en nuestro caso somos gente bastante normal, si hay algún problema podemos resolverlo hablando. Por mi parte hay una química especial que sólo consigo tocando con Holywater, y esa sustancia es adictiva, así que necesito seguir para sacarme el mono. Cuando llevas tantos años tocando con alguien todo fluye muy distinto que tocando con otra gente, parece que sabes lo que va a hacer el otro y puedes improvisar cosas que van a salir bastante bien porque todos vamos a una. A ver, la verdad es que somos un grupo atípico porque aunque llevamos muchos años juntos, nos vemos poco. Estamos repartidos entre Ferrol, Santiago y Vigo, y solo nos vemos para tocar o ensayar. A lo mejor ésa es la clave de llevarse bien… no verse demasiado (risas). Es difícil programar los ensayos estando tan distanciados y con los curros de cada uno, así que ensayamos muy poco, lo justo. Y eso, por lo menos por mi parte, hace que toques las canciones de una manera más fresca, menos autómata… con más ganas”.

No ha tardado en salir un nuevo disco, supongo que para volver a la carretera. Pareceís una banda de directo a la que se le nota con hambre de escenario.
“Ernie nos pidió un nuevo disco antes de que se acabara el mundo. Y se lo dimos. Aunque el hambre de escenario siempre está ahí, y da la vida tocar los temas nuevos, que además siguen evolucionando y compactándose a medida que los vamos tocando en cada concierto. Van creciendo y eso es muy satisfactorio, porque te sueltas y puedes vibrar más tocando que cuando estás todavía pendiente de los acordes, las partes, la afinación y las letras mientras tocas. La gira va genial y tenemos ganas de salir de Galicia ya, a ver qué les parece por ahí afuera”.

La Metamovida, la unión hace la fuerza

La Metamovida es un colectivo formado por bandas que se mueven entre parámetros de dureza rocosa, progresiones psicodélicas y surrealismo. Un autentico impacto sonoro surgido en el suroeste gallego.

Orquesta Metamovida

“El colectivo lo forman siete grupos (Unicornibot, Cró!, Why Go, Guerrera, Durarará!!, Buogh y Es un Árbol) y surgió de un fin de semana en el que que nos lo pasamos improvisando cuatro de estos grupos y terminamos montando la orquesta de improvisación (La Orquesta Metamovida). A raíz de esto se nos ocurrió colectivizarnos ya que teníamos problemas e inquietudes parecidas y empezamos a currar y a organizarnos un poco” .
Hablamos con David Santos, miembro de Es un Árbol y Cró!, quien nos sirve de portavoz y que nos cuenta cómo editaron el disco recopilatorio mediante crowdfunding, una vía muy usada últimamente para conseguir la edición de un disco. Nos preguntamos si era la única que tenía este colectivo para planchar un vinilo.
“No, de hecho lo hubiésemos sacado igual y hay muchos grupos del colectivo que lo han hecho sin crowdfunding. Sin embargo es un buena forma de conseguirlo pues te permite hacer una preventa de forma efectiva y transparente. Normalmente los conciertos de presentación de los discos y los ahorros de conciertos anteriores suelen llegar para cubrir el proceso, el micromecenazgo acelera un poco esto además de implicar al público en el proceso”.
Teniendo en cuenta los géneros en los que se mueven estas bandas y la eclosión de las mismas en una determinada ubicación geográfica se nos ocurre la analogía entre grunge/metamovida y Seattle/Pontevedra.
“Nosotras la hacemos a veces (risas). La verdad es que hay mucho movimiento y están saliendo grupos que tienen algo distinto que decir. El nexo de unión es por un lado el gusto e inquietud musical y por otro el que nos llevamos todos muy bien y esto hace que las cosas avancen a ritmo”. Esa colaboración es precisamente lo que está moviendo tanto la escena gallega. “Si, me parece que hay mucho grupo que espera a que las cosas les vengan dadas y nosotros somos más de buscarlas o de crearlas directamente”.
Cambios y variantes contenidas en los impactantes directos de la Orquesta Metamovida, un ensamble musical versado en la improvisación (método utilizado por músicos como John Zorn), donde está el origen al estar integrada por miembros de todas estas bandas.
“Surgió como un experimento de improvisación fuera de la improvisación habitual en el rock. Yo participo también en la orquesta OMEGA en la que ya practiqué la improvisación conducida en la que mediante señas que sugieren qué , cómo , o cuando tocar se va conduciendo, que no tanto dirigiendo. Lo de Zorn es más un juego con reglas aunque el resultados es parecido”
Esta asamblea de bandas parece que ha establecido una relación simbiótica con el Liceo Mutante, la sala de conciertos nacida como asociación cultural autogestionada de Pontevedra que se ha convertido en punto de referencia de la alternativa galega. “Es un espacio muy relacionado con todos nosotros y sobre todo con Unicornibot que son socios fundadores, le ha dado mucho aire a toda la escena y la orquesta suele reunirse allí y creo que actualmente es el sitio donde pasan las cosas más interesantes de Galicia y de los que más está moviendo y generando música. Para nosotros es casa” .

Angélica y Roberta. La serie online del Galician Bizarre

Está dando mucho que hablar la primera temporada de la serie creada para internet por Sandra Lesta (Angélica) y Sonia Méndez (Roberta). Con su nominación a los X Premios Mestre Mateo como mejor serie de televisión han colado una producción totalmente independiente en la gala de la Academia Galega do Audiovisual.

Tamara de la Fuente

Para que exista un escena musical emergente consolidada hace falta que las bandas que la integren tengan medios donde propagar su mensaje. Pocos son los ejemplos dentro del audiovisual gallego que den a conocer o introduzcan la música de las pujantes bandas que integran lo que se ha dado en llamar Galician Bizarre. Por ello la aparición el pasado año de “Angélica y Roberta” en la red de redes llamó en seguida la atención sobre ese elemento que faltaba además de ser aire fresco en la comedia de situación. Remontándonos a los albores de la TVG y gracias a una serie como “Os Novos” (The Young Ones), muchos conocimos a bandas rompedoras como Madness, The Damned o Motörhead y disfrutamos del genuino sentido del humor de la serie de la BBC británica.

Un paralelismo que podemos encontrar en “Angélica y Roberta”, que siendo una propuesta modesta en producción ha contado con la escena musical gallega para que ponga música a sus incisivos diálogos y delirantes escenas surgidas de la creatividad no subvencionada. El germén fue de hecho una propuesta televisiva que no llegó a obtener respaldo.
(Sandra) En un principio nosotras queríamos hacer una serie de veinticinco minutos llamada “Badulake” con trece o catorce capítulos. (Sonia) No estaba pensada para Internet, sino en algo con una mayor producción. Como la cosa no fluyo con las productoras decidimos sacar a estos personajes y hacer un spin-off para la red. De ahí salió “Angélica y Roberta”.
(Sandra) Contando con capítulos de menor duración y rodando en una casa para no tener que alquilar locales con un set natural, y usando las tramas y situaciones de “Badulake”.

En ella se juega con la memoria emocional de su público potencial. Referencias a cómics como “Odio” (1990) o “Ghost World” (1993-1997) ; películas de animación de culto en el caso de “El planeta salvaje ”(1973); o la mítica serie japonesa “Mazinger Z” (1972-1973); junto con la primera película de David Lynch “Eraserhead” (1977) o las popularizadas en la década de los ochentas “Poltergeist ”(1982) , “Star Wars” (1977) o “Gremlins” (1984); la serie de TV “V”(1984); o todo tipo de merchandising de “época” representado por Gusy Luz, Teleñecos, Futurama, o juegos como Twister; y con la sempiterna presencia de Johnny Deep como icono sexual adolescente desde un altar con velas.
(Sonia) Esta serie en el fondo no es para adolescentes. Esto es de verdad, no buscamos referencias de cosas para que queden guays y que digan que somos muy frikis. Todo lo que hay y de lo que hablamos son cosas que vivimos y nos marcaron. Es una serie para mayores de 30, para nuestra generación. (Sandra) O adolescentes frikis que recurran a ese imaginario pasado que no tuvieron. (Sonia) “Ghost World” es un referente claro, queriamos tener una imagen potente y que fuera siempre la misma: las gafas y el gorro. En el primer capítulo sale el cómic porque es de los pocos con protagonistas femeninas”.
Ellas apuntan referencias como la británica “Spaced” (1999–2001) o “Nurse Jackie” (2009), y no caen en la frivolidad envuelta en glamour de “Sexo en Nueva York” (1998–2004) para hablar desde una óptica femenina. (Sandra) “Veíamos en las series que nos hacían gracia que las chicas eran habitualmente el contrapunto a ese mundo friki masculino. No se refleja eso desde un punto de vista femenino, no hay esos diálogos”.
Dentro del territorio virgen de series para internet no recurren al diálogo directo con la cámara como la argentina “La loca de mierda” pero si cruzan la línea entre ficción y realidad que les lleva a posicionarse como personajes conscientes de que están en una serie (en el primer episodio se lo dicen a Carlangas, cantante de Novedades Carminha, además de mostrar una pegatina de la serie en el portátil de Angélica).

Tamara de la Fuente

Durante los ocho capítulos de la primera temporada muestran un producto de calidad trufado de referencias a la cultura pop de los ochentas con la gran y novedosa peculiaridad de que sus protagonistas son dos chicas frikis en diálogos sin tapujos.
(Sonia) “Nunca has visto a dos tías en una comedía hablando de tener sexo oral. Y de si es mejor chupar o no”. (Sandra) “Queriamos realizar una serie que nos encantara ver a nosotras, básicamente era eso. Estaba cansada de esas en la que todo es polla y las mujeres su contrapunto. Pero tampoco es una serie para mujeres”. (Sonia) “Lo que queremos mostrar es nuestra verdad, somos sinceras con las situaciones que creamos”. (Sandra) “Angélica y Roberta es diálogo escrito entre las dos, son un trozo de cada una de nosotras. De hecho cada una puede escribir la parte de la otra. Son personajes con los que somos honestas”.

La serie no habría sido posible sin la colaboración entusiasta y desinteresada de gente del audiovisual gallego. Resaltan en la parte técnica a “Isa Vila en el grafismo, Alberto Gutián en la ilustración de la cabecera,Tamara de la Fuente en comunicación y relaciones públicas, David Machado como productor de la serie, Isa Tristán que se ocupa del arte, Judas Diz en la realización… Toda ella gente que conectó con nuestro sentido del humor”. Y contando con actores consagrados como Luis Zahera, Manuel Manquiña o Xulio Abonjo. (Sonia) “Es normal que vengan porque se come muy bien en el rodaje. Lo mínimo que podemos hacer es encender la lareira”. (Sandra) “La gente que colabora tiene que aportar su grano. Al tener libertad para ser creativo lo hace con más ilusión y más detalles”. (Sonia) “Hubo una gran sinergia, más que colaboraciones por un lado estaba gente implicada que nos animo a hacerlo”

El argumento gira en torno a dos amigas que, al pasar la treintena, deciden independizarse de sus padres e irse a vivir juntas a una casa situada en el rural gallego. La suya es una amistad al estilo de la protagonizada por Jack Lemmon y Walter Matthau en “La extraña pareja” (1968). (Sonia) “Angélica y Roberta tienen una relación muy entrañable, muy Esperando a Godot porque se equilibran. Es tierna”. (Sandra) “Tienen el punto de la inocencia de vivir las cosas sin tantos prejuicios”.

Han aglutinado en ella a buena parte de las bandas del Galician Bizarre, las cuales combinan muy bien con la frescura de esta comedia indie. En la lista de colaboraciones musicales tenemos a Sra Sr Sra, Telephones Rouges, Metralletas Lecheras, Indómitos, Mullet o Mano de Obra. Mención aparte a Novedades Carminha que aportan el tema de los créditos iniciales y hacen un cameo en el primer capítulo. (Sonia) “Decidimos usar siempre a bandas gallegas emerxentes, al mismo nivel que Angélica y Roberta. Yo te ayudo a ti y tú me ayudas a mi”. (Sandra) “Se está estableciendo un diálogo super estrecho con ellos que nos parece muy interesante. Es una bendita coincidencia. Como programas de música realmente aquí no hay…”
Gracias a esta simbiosis de las bandas con la naturaleza gamberra de la serie ésta se puede convertir en un referente indie en internet .

Ya con la primera temporada acabada y las líneas maestras perfiladas anuncian más capítulos de sus álter egos. (Sandra) “Estamos aprendiendo sobre la marcha y en la segunda temporada nuestra idea es hacer conciertos en el ghalpón”. (Sonia) “Nos encantaría emitir todas la semanas, ideas no nos faltan, pero el tiempo y el esfuerzo que hemos invertido en producir todos estos capítulos con esta calidad requiere mucho trabajo. Ahora queremos dedicar tiempo a la promoción para conseguir algo importante para la siguiente temporada. Y manteniendo el mismo espíritu”. (Sandra) “La vamos a traducir al inglés y buscar ayudas en el exterior. Intentamos expandirla un poco fuera de Galicia”. (Sonia) “Habrá segunda temporada y vamos a ser peores, aquí no hay censura”. (Sandra) “Y más sorprendentes”.

Unicornibot. Mathrockalipsis

Son de Pontevedra Publican Dalle! (Matapadre, 2012) Te podría sonar a Shellac, Za!, Picore

David Tombilla

Dicen que son “ los cuatro jinetes del mathrockalipsis” y prueba de ello son sus instrumentales desbocadas que remiten a bandas como Shellac, “una banda pionera intocable” dice Guillermo (batería y portavoz de Gonzalo y Álex guitarristas y Toño bajista) y aclara que no les molestan las comparaciones que les otorgan enseguida con Za!, Picore o Betunizer. “Todos nos parecemos, pero somos distintos. Za! tiene greñas y yo estoy rapado, Picore tienen voz y nosotros no sabemos cantar y Betunizer usan bazuca y nosotros maracas”. Todos ellos parecen poseídos por una endiablada energía que les hace sudar a mares en cada concierto y que en su caso se agrava por la excéntrica máscara hecha de papel de aluminio que les identifica. “Nos encanta, a casi todos nos encanta. Yo personalmente lo llevo hasta el final del bolo y es incomodo pero me gusta. Es un rollo muy bizarro. Unicornibot nace de las mascaras. Son una seña de identidad”.
Estos pontevedreses que nos dejaron sin aliento con “Hare Krishna” su primer LP autoeditado en el 2010 vuelven a grabar en estudio y en riguroso directo nuevas instrumentales de impredecibles variantes. “Dalle!” da nombre a la nueva referencia que esta editada por Matapadre, RadiX Records y otros sellos solamente en vinilo, pudiendo descargarse en digital. Un disco en el que vuelven a recurrir a la labor de Javier Ortiz y su Estudio Brazil para tratar de plasmar la fuerza que despliegan sobre el escenario. “Tenemos la suerte de que el gurú que nos grabó nos conoce y nos vio en directo. En el Estudio Brazil todo es muy fácil, !Javi nos dijo que grabásemos con las máscaras puestas pero no fuimos capaces! (risas). Nos cuidó y mimó como a niños pequeños que se pierden de sus padres en un centro comercial. Tiene una facilidad brutal en hacerte sentir perfecto. Grabar en directo y de pie (todos menos yo) es muy importante, así lo que oyes en el disco es lo que oyes en el directo, ni más ni menos”.
Podremos comprobar todo esto en sus conciertos a lo largo de la geografía estatal, con nota de atención por formar parte del cartel de este año del prestigioso festival Primavera Sound. “También tocan nuestros “brodas” Picore y las bandas molan mucho. Estamos muy contentos y es un premio merecido a todo lo que hemos currado (sobre todo Toño)”.

Ocler Delalün II

Formación Jorge Villaescusa (Ibanez y voces) Fernando Lens (Danelectro y voces) y Alberto Eiroa (Batería Marca Blanca y voces) Procedencia  A Coruña Género Rock Progresivo/Psicodélico

Pedro Medal

¿Desde cuándo existe la banda y cómo se formó?
Empezamos cinco fulanos/as a tocar en La Coruña cuando coincidimos viniendo desde distintas bandas. Uno se hizo policía, otra se fue a Canadá y al otro no le gustaba lo que tocábamos. Nos quedamos Alberto y yo (Fernando). Y finalmente en 2011 llegó Jorge. Y descubrimos que hay guitarras más grandes y con menos cuerdas a las que les llaman “bajos”.

¿De dónde proviene ese nombre tan suntuoso?
Ocler Delalun es la forma fonética de “Au claire de la lune”, que es, supuestamente, la primera “canción” grabada en la historia, concretamente en 1860. La diéresis y el “II” vienen a cuento de que vimos un directo de Amon Düüll II en el 77 y se nos despejaron las sombras del cerebro. El homenaje era inminente.

Dos temas sin título son vuestra carta de presentación, tan indefinidos como vuestra música. Entre el rock psicodélico, el progresivo y el kraut ¿De dónde procede este gusto por las expansiones lisérgicas?
Hay grupos que ensayan canciones y hay grupo que ensayan ideas. Nosotros ensayamos ideas (por ahora). Como nuestras ideas son heterogéneas, así salen las canciones. En realidad, el primer tema se llama K´un(tierra) y el segundo tema se llama Li(fuego); ambos son dos de los 64 hexagramas que forman el I Ching. Puedo decirte que las letras son extractos del libro sagrado oriental a través de la técnica “cut-up”, que es como si fuera un collage escrito, o un cadáver exquisito, o llámalo como quieras. Burroughs lo utilizo en el Almuerzo Desnudo pero es algo que se viene haciendo desde principios del siglo XX.

Transitáis por los parámetros de géneros donde vacas sagradas como Van der Graaf Generator, Faust o King Crimson han sentado las bases, ¿quién o cuáles os han aportado más como influencia?
Todos esos grupos tienen cosas interesantes. Especialmente interesantes King Crimson cuando le ponían títulos de islas españolas a los temas. Pero realmente el disco que ha marcado a este grupo ha sido The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd, especialmente el tema “Interstellar Overdrive”.

¿Cómo es vuestro directo, usáis artefactos sonoros analógicos o digitales?
Por ahora nuestros instrumentos de cuerda no tienen teclado QWERTY así que supongo que son analógicos. Ahora bien, en el Delay BOSS, pone Digital bien grande, así que no conozco realmente la respuesta. En cuanto a cómo es nuestro directo… Nadie lo sabe. Cambia de un mes al otro. Aunque mantenemos un par de riffs siempre, y lo de empezar con cuatro toques de baqueta. Se supone que nuestra idea es sonar fuerte y jodido.

¿Vuestros temas tienen final? Parecen abiertos a la improvisación y a la mutación.
Los que estamos tocando actualmente sí que tienen final. Nuestra época hippie de tocar hasta que se nos acababa el peta ya la hemos pasado. Nuestros temas tienen un sentido.
Grabamos nuestra primera maqueta en O Grove, Pontevedra, en los Estudios Círculo Polar, con Iñaki Bea (un gran tipo). Fue una experiencia increíble que nos valió de mucho dejando a un margen lo musical.
Probamos ideas, estructuras, instrumentos varios, conceptos y sonidos que hasta ese momento no habíamos podido manejar. Por eso salieron unos temas tan, digamos, “flexibles”.

¿Estáis preparando un disco?
Ahora mismo la idea de un nuevo disco queda un poco lejos, nuestro objetivo por ahora es tocar, tocar y tocar. La idea es tener los Fender el mayor tiempo posible sobre las cajas de cerveza de los bares.

Ocler Delalün II en bandcamp

Mullet. Mugre, semen y caca.

Mullet es un grupo formado en Lugo y que recién publica Salmonete (efepé ediciones, 2011). Grabado por Roberto Mallo y llamado a ser un revulsivo del pop indígena, contiene los elementos necesarios para dar que hablar, que es lo que cuenta.

Santi Vila

Mullet: Distinguido corte de pelo que dice serio por delante, fiesta por detrás. Esto es lo que se puede leer en la Frikipedia para explicar el vocablo. También es el nombre de una banda que se dedica a realizar radiografías de los intestinos de la sociedad, con cachondeo pero en serio: “Mullet es demasiado serio, y no es lo que nosotros queremos, sino un reflejo de la vida, de la sociedad. Si la sociedad es estúpida, nosotros no tenemos toda la culpa”. Tras este nombre se esconden tres individualidades que forman parte de otros proyectos musicales y que aquí, ocultándose bajo osados nombres como Burguer, El Ano y Bragochas, cuentan: “empezamos (a tocar juntos) para atacar a la desidia y a la vida de parado. Un tiempo después tuvo que entrar Bragochas para ponernos las pilas, ya sabes, el toque femenino. Hemos demostrado que tres seres anodinos pueden ser también geniales en conjunción. El socialismo tiene múltiples usos”.
Desde una lógica musical entre el tontipunk y el queercore, aunque ellos se definen emo y mugre, en sus letras pasan de homenajear a Rafaella Carrá a repasar la toponimia galaica castellanizada, pasando por darle un repaso a Álvaro de Marichalar, hablar de bodas gays y cantar imposibles estribillos sobre semen y caca.
Misivas que les hacen formar parte de la gozosa tradición de bandas pop que se toman las cosas con una gran falta de respeto, desde Kaka de Luxe hasta Rajoy Division. Bragochas apunta que se identifican “con algunas, y no todas. A El Ano no le interesan en general los demás grupos, pero quiere que nos patrocine Alaska, pero por su dinero. Burger y yo no somos tan rancios. Yo en particular amo Hidrogenesse, y creo que también podemos decirlo por Burger”.
Suenan frescos y libres de prejuicios en un primer disco en el que husmean en la mugre cual redactores de el Hola o La Noria, entre lo casposo y lo punk: “Somos más como el ¡Qué me dices!, es decir, degradación humana y casi humana con un punto cursi. Somos como Sid Vicious enrollándose con la Duquesa de Alba sobre un poni”.

Pastillas Mamut. Fuckin´ Attitude

Procedencia Lugo Demo Demo 2010 Estilo Dance rock Integrantes Patxi Pintado – Voz y Guitarra, Paspi Vicio – Guitarra y Coros, Omar Feijoo – Bajo y Coros, Z.Sebastian – Melódica y Xilófonos, Gabriel “Aloe Perra” Martínez – Programaciones, Sintetizadores y Cacharros. http://pastillasmamut.bandcamp.com

¿Quienes sois los Pastillas Mamut y que puesto ocupa cada uno?
Pastillas Mamut son una pandilla de crápulas y los puestos se reparten cada noche. En plantilla tenemos a Paspi Vicio, Patxi Pintado, Aloe Perra, Z.Sebastian y Omar “El Indio” Feijoo.

¿Cuando empezó la historia de la banda?
Cuando cerraron El Egipto. (Nota del entrevistador: Pub lucense que funcionaba como after, la última opción antes de irse a casa)

¿Cómo es esa historia de que al principio hubo dos bandas que se fusionaron para dar nombre a Pastillas Mamut?
ExMamut y Grandfather Pills se juntaron hace un año para tocar unas versiones en una fiesta. El concierto fue un fracaso pero esa noche conseguimos follar.

¿Os definís con Zapatilla Rock, qué tipo de descripción musical es esa? ¿Es el “dance rock” un género válido para vosotros?
“Zapatilla” es el grito de guerra desde Galicia a Valencia. Dance-Rock está guay pero nos mola más techno-garage.
¿ De vuestras influencias musicales cuales resaltaríais (si las hay, claro)?
Gala, Sepultura y los Happy Mondays. También nos mola NWA, Aphex Twin y Spandau Ballet.

¿Existe una escena de grupos “indies” en Lugo?
No, en Lugo tenemos muchas vacas y guardias civiles corruptos pero no hay ninguna escena.

¿Destacáis a alguno?
Nos mola un mítico grupo punk de aquí de Lugo llamados Los Puta.

Vendednos vuestro directo, ¿ porqué alguien se tendría que molestar en ir a escuchar vuestro ruido?
La gente se lo pasa pipa, muchos sonríen e incluso bailan. Cuando la gente empieza a empujarse sabemos que está funcionando.

¿Dejaríais que se usara vuestro tema “Yo desayuno solo” en un anuncio de cereales?
Por supuesto. ¿Sabéis por qué está triste el Señor Kellogs? Porque Chocó Krispies.

¿Os la suda la política?, ¿creéis que la música sirve para algo más que para tener de fondo mientras se toma una copa y se bailotea?
Lo que no nos gusta es la demagogia. La música no tiene nada que ver con eso, pensamos en pasárnoslo bien y poder ir a tocar al mayor número de sitios posible.

¿Pensáis en fichar por una discográfica?, ¿o soñáis con. Ello? En definitiva, ¿os quita el sueño esto o vais de autodidactas y autoeditados?
Vamos de autoeditados porque no tenemos un duro. Por el momento pensamos en sonar, todo lo que venga será bien recibido

¿Algo más que añadir?
Posdata: Space Jesus is coming modernfuckers! Rave on!

Mr Fishman, un peixe en el Sónar gallego.

Si algo distingue a Álvaro Pardo es su tenacidad. Incansable agitador musical ya sea como miembro de Safari Orquestra y Telémaco (proyecto electrónico junto a Mike Rolling) o tras los alias de Dr. Think y Mr Fishman como Dj. Este año es uno de los invitados al Sónar 2011, que repite por segunda vez en su versión Galicia. Este lucense, que se autodenomina como Lugoslavo, se subirá al SonarHall de ExpoCoruña desde las 23:45h a la 01:00h. Desplegará su fusión electrónica bajo el título de “Que me quiten lo pinchao”. El sábado 18 de junio en A Coruña tendrá el apoyo de los visulales de Paco Quintas a.k.a Etsueña, y con el estilismo obra de la firma gallega Le Chanelas. Entrevistamos a este peixe directamente en la pescadería.

VANEWONDERLAND

¿ Qué platos tiene preparado Mr Fishman para servir en el Sonar?

Estoy muy vinculado con el mar, así que para no variar de primero unos marisquiños galegos con sabor a funk, breaks, brasielectro y un poquito de balkan, para el segundo plato aun no me he decidido, no se si besugo o lubina con un buen vino, aunque cualquiera de los dos sonará house bien groovero para poder hacer bien la digestión y por último el postre, ese gran deseado por los mas golosos, ¿os gustan los profiteroles bien cargados de nata y chocolate? No hay mas pistas,la traca final me la reservo para mi.

La cantante MIA actuará al mismo tiempo en el SonarClub, ¿será duro perdérsela?

Sinceramente respeto su trabajo, pero no es lo que mas me llama la atención del Sónar, se que actuar a la misma vez que ella me restará público es lo único que me preocupa un poco, pero también pienso que este año en sonar MIA soy YO.

¿ Qué te parece el cartel de este año?

Me mola, variedad, mezcla, fusión electrónica con ritmos del mundo… Para mi perfecto, soy un freestyle man, creo que será un gran Sónar.

¿ A quién no te quieres perder en este Sónar gallego?

El tema de los festivales me estresa un poco la verdad, siempre quiero ver muchas cosas, así que como tengo la lección aprendida me dejaré llevar por las ondas acuáticas y musicales, si la red es larga seguro que me pescan. Por cierto, creo que con los frikis de Die Antwoord me pegaré unos dancings.

¿ El traje de diseño que llevarás puesto es fresquito?

El señor pescado lo trae todo freshco (risas). La verdad es que se lo esta currando bien guapo el equipo Le Chanelas. Con materiales reciclados que provienen del Vigo Transforma del año pasado. !Qué mas puedo pedir!, huele a mar.

¿ En que se diferencian Dr Think y Mr Fishman? ¿ Sois como Jekyll y Hyde?

Jekyll y Hyde, ¿pero quienes son esos? (risas) Del pensador al pescador tenemos diferencias, por eso utilizo diferentes nombres. Como Dr. Think la receta principal en mis sesiones es el House y el deep House progresivo, negro y humeante. Como Mr. Fishman tengo los anzuelos cargados de, funk, old&new school, break&broken beat, afrofunk, drum&bass, dubstep, breakfunk, balkan, mash ups y grooves de alto octanaje. Tanto con uno como con otro soy hilo conductor de música que me transmite sensaciones, recuerdos, felicidad y una energía muy especial cuando logro transmitirla.

¿Para cuando Telémaco en el Sónar?

Qué gran pregunta. Estoy muy ilusionado con lo próximo de Telémaco: “Auga”, grabado en Cd y Dvd en Abrigueiro en los estudios de Arturo Vaquero junto al equipo de Hd Visual. Me encantaría poder presentarlo en Sónar. Imagino que este año no les cuadró bien al no hacerse el Sonar de día. Sería muy interesante tener Sónar día, se que antes o después eso sucederá, el que la sigue la consigue.

www.misterfishman.blogspot.com
www.soundcloud.com/drthink
www.myspace.com/drthink
www.vimeo.com/drthink

Jose Lemur

The Cobras, hardcore digital

Vienen de Vigo  Publican The Cobras Black Album (autoeditado, 2010) En la onda de Atari Teenage Riot, Kap Bambino

Alex Cinque

El exabrupto como expresión de rabia y la bofetada sonora parecen rezumar desde los altavoces al darle al play de este “Black Album”. Porque con un disco de electro agresivo, punk guarrete y sonido 8-bit The Cobras irrumpen chillando en la escena musical con un disco que escupe bits llenos de saturación. “Sonamos como queremos, si quisiéramos que el disco tuviese un sonido más cristalino o apaciguado podríamos haberlo intentado. !Dentro de nuestras posibilidades técnicas claro! Resumiendo: no es un disco para todo el mundo” Esta claro que por estética e ideario parecen compartir el hostigamiento sónico con Atari Teenage Riot, pero sin letras de contenido político, y con un sonido y una presencia escénica bastante más cercana a la de los franceses Kap Bambino. “Sí, desde luego nos encantan ATR. También nos molan los Kap Bambino, sobre todo en directo. Nuestras letras son una mezcla de experiencias propias, de influencias de todo tipo, cine, dibujos… de todas formas, también hay psicodelia… Aunque una vez nos dijeron en un directo que sonábamos a heavy metal japonés”

Bruno M. y Sabela N. tienen claro el camino a seguir y las metas a conquistar. Quizás despiste saber que Bruno es miembro de The Blows, banda que musicalmente esta en las antípodas de The Cobras. ¿Es este un proyecto paralelo para pasar el rato en los tiempos muertos? “Eso de tiempos muertos suena mucho a hobby, y esto no lo es. La verdad es que es un proyecto completamente diferente, pero no solo en lo musical, también en lo estructural; en la toma de decisiones o de composición, y en lo conceptual: no tenemos ni queremos sello, por lo menos de momento, no lo intentamos con ninguna discográfica, supongo que nos daba pereza . También es diferente a The Blows con los circuitos de conciertos, los plazos, la publicidad, las fotos, los vídeos… la verdad es que es genial estar en varios proyectos”

Han controlado todo el proceso de grabación y ya están preparando nuevos temas en estudio.

“Autoproducimos el disco para que nadie nos dijese cómo sonar ni nada parecido y lo autoeditamos para tener libertad total, además de subirlo a bandcamp.com en descarga libre” Estos ofidios dicen soltar todo su veneno y sudor sobre los escenarios con un directo visceral, se podrá comprobar en su actuación conjunta con Kap Bambino el 20 de mayo en su ciudad.